1974  de Julian Jarrold
1980  de James Marsh
1983  de Anand Tucker

Sortie le 11 novembre 2009

Ca vaut le détour

Trois années, trois enquêtes, une révélation.
Trois films, trois réalisateurs, une grande trilogie.
Thriller de très bonne facture sans pour autant révolutionner le genre, Red Riding restera par contre comme un excellent modèle de trilogie où chaque film existe par lui-même tout en s’intégrant parfaitement dans un ensemble totalement cohérent.

Red Riding fait penser par certains de ses aspects au récent thriller britannique de Tomas Alfredson, La Taupe, notamment dans son souci de l’esthétisme, sa reconstitution minutieuse d’une époque et l’importance accordée à ses personnages et au jeu des apparences. Cependant, là où La Taupe péchait par manque de clarté, Red Riding opte pour une enquête en trois temps, permettant d’approfondir comme il se doit chaque élément du film sans verser dans l’overdose et la perte du spectateur. Chaque film se centrera donc sur une intrigue secondaire, chacune finissant par révéler une partie d’une machination plus grande et à chaque fois plus sombre. Chacun des trois épisodes met en avant un nouvel enquêteur avec une démarche qui n’est pas sans rappeler Zodiac de David Fincher, en faisant du détective et de l’impact qu’a l’affaire sur celui-ci les principaux points d’intérêt du film (cela étant surtout vrai pour les deux premiers, le troisième étant plus axé sur la résolution finale). Le scénariste Tony Grisoni adapte donc comme il se doit les romans de David Pearce, permettant ainsi à chaque film de se suffire à lui-même en évitant la frustration d’une fin trop ouverte, tout en éveillant suffisamment la curiosité du spectateur pour qu’il n’ait que l’envie d’aller plus loin.

Du point de vue de la mise en scène, le constat est à peu près le même. La trilogie possède une certaine homogénéité de style, avec une ambiance sombre, une lumière souvent très travaillée et un certain goût pour un esthétisme marqué. Mais chaque épisode porte également clairement l’empreinte de son réalisateur. Le premier, à l’image de son héros qui est prêt à tout donner pour comprendre quelque chose à un monde qui lui échappe, fait la part belle aux flous artistiques, aux plans décadrés, aux gros plans et aux jeux de profondeur de champ. Toujours en comparaison à son personnage principal, le second possède une mise en scène plus stricte, avec une photographie moins tranchée et plus réaliste, et des cadrages plus classiques. Le troisième sera quant à lui plus lumineux, plus solaire, plus poétique, notamment dans un final surprenant (la meilleure séquence de la trilogie) où ce côté plus onirique renforce l’intense noirceur de l’intrigue.

Un certain esthétisme dans la mise en scène est le bienvenu dans un thriller qui ne fait, il faut bien le dire, pas la part belle à l’action mais plutôt aux personnages. D’autant qu’il n’efface pas les comédiens, mais les met au contraire en valeur. Et c’est tant mieux car Red Riding réunit un bon nombre d’acteurs britanniques de renom dont, entre autres, Andrew Garfield, Sean Bean, Peter Mullan, Mark Addy, Paddy Considine, Rebecca Hall, David Morrisey, Jim Carter ou encore Eddie Marsan. Tous aussi parfaits les uns que les autres, ils offrent, quelque soit l’importance de leur rôle, une véritable profondeur à leur personnage. Un se détache pourtant du lot, Robert Sheehan, en prostitué mystérieux et touchant. L’acteur arrive à travers des apparitions discrètes mais absolument remarquables, à faire évoluer tout en nuance son personnage au fur et à mesure qu’il se révèle et à faire saisir au spectateur l’importance qu’il aura au final.

Diffusée à la télévision outre Manche, la trilogie Red Riding aura eu les honneurs (mérités) des salles obscures en France, mais sera pour le coup passée relativement inaperçue, alors qu’elle possèdent pourtant tous les ingrédients pour rallier le grand public et les plus cinéphiles. A découvrir.

On the road
De Walter Salles
Sortie le 23 mai 2012

Ca vaut le détour

De par sa narration si particulière, celle d’une plume qui glisse sur le papier sans jamais s’arrêter, comme dans un seul souffle, et de par son intrigue qui se résume à des instants de vie, le roman de Jack Kerouac ne semblait pas destiné à pouvoir un jour passer la barrière du grand écran. Mais les promesses d’un réalisateur rompu au genre du road movie avec notamment les brillants Central do Brasil et Carnets de voyage, d’un casting en or mené par le trop rare Sam Riley et enfin d’une sélection cannoise avaient de quoi susciter les plus grands espoirs. Au final, Sur la route n’est pas une mauvaise adaptation, mais ne rend pas non plus complètement hommage au livre dont il est tiré. Explications.

Assez intelligemment, Walter Salles a confié la première tâche complexe de l’entreprise, à savoir tirer un script des très denses quatre cents pages du roman de Kerouac, à son scénariste de Carnets de voyage, Jose Rivera. L’auteur a su éviter le piège de l’accumulation de scénettes (seules quelques unes subsistes) pour composer un ensemble plutôt cohérent en axant l’essentiel du récit autour de la relation entre Dean et Sal, et plus particulièrement sur leur voyage principal. Le film tire alors profit de l’aura si particulière qui se dégage de leur amitié et de chacun des personnages en particulier. Une aura qui passe aussi par les interprétations irréprochables des deux comédiens principaux. Sam Riley retranscrit parfaitement par son jeu la plume et la vision de Kerouac, tandis que Garrett Hedlund parvient à recréer cette étrange attirance que provoque le personnage de Dean/Neal Cassady. Un tel choix narratif implique un passage à la moulinette de pas mal de personnages secondaires dont ressortent quand même l’indispensable Carlo/Allen Ginsberg (Tom Sturridge sans la moindre fausse note) et la troublante et touchante Marylou/LuAnne Henderson, dont le rôle finit par prendre plus d’ampleur que dans le roman lui-même, en partie grâce à l’interprétation de Kristen Stewart, qui semble ressurgir d’Into the Wild.

Mais l’épuration indispensable du récit implique également de faire passer au second plan certains aspects du roman. Le vent de liberté ne souffle beaucoup moins à l’écran, la route perd de sa saveur, et la fin de l’innocence et le retour des responsabilités n’ont plus autant d’impact. On reprochera surtout une dernière partie bien trop vite expédiée. L’ultime voyage au Mexique, véritable climax de la quête des deux héros dans le roman, se transforme ici en une simple étape d’une dizaine de minutes. Seule l’effervescence de la sublime scène du bordel traduit l’importance de ce trip suprême. Le retour final à la réalité arrive également un peu trop comme un cheveu sur la soupe, même si les derniers regards échangés par les personnages conservent toute la force des dernières pages du livre.

Cependant le principal problème d’adaptation du roman vient peut-être au final de la mise en scène. Walter Salles livre bien sûr un très beau film techniquement parlant (Eric Gautier fait à nouveau des miracles en termes de photographie), mais semble être prisonnier de son amour pour l’œuvre de Kerouac. La représentation de l’époque est parfaite. Le cinéaste dissémine un peu partout des détails du roman que les lecteurs de Kerouac ne manqueront pas de déceler. Mais Walter Salles semble craindre de trahir l’œuvre originale et ne fait ainsi preuve d’aucune audace. La mise en scène reste très classique là où on aurait aimé qu’elle reflète la folie, l’impertinence et la spontanéité du roman. On attendait que Salles opte pour un véritable parti-pris de mise en scène, à l’image de la plume si particulière de Kerouac.

Walter Salles signe donc une adaptation fidèle au roman, mais qui lui est peut-être justement trop fidèle, et qui oublie presque que le thème principal de Sur la route est la liberté.

De Wes Anderson
Sortie le 16 mai 2012

Ca vaut le détour

Avec son côté surréaliste, son sens de l’absurde et son esthétique colorée, le style Wes Anderson est reconnaissable entre mille. Une marque de fabrique pour le moins tranchée qui possède forcément ses limites et peut donc finir par lasser certains (dont moi, je l’avoue). Cependant Anderson trouve cette fois le script qui colle parfaitement à son univers. Quoi de mieux en effet que le monde de l’enfance pour partir dans des délires à la limite de la réalité et de l’imaginaire. Wes Anderson retombe en enfance et s’amuse comme lorsqu’il avait huit ans à recréer un univers fantasmé, où les plus jeunes sont les héros et où les adultes sont relégués au rang de seconds rôles stéréotypés. Où le gamin rejeté est le seul à avoir une amoureuse et se bat contre les méchants garçons et contre la bêtise des adultes. Rien de bien nouveau dans cette chronique de l’enfance mais, à l’image du récent Dark Shadows de Tim Burton, un regard artistique tranché et maîtrisé fait monter d’un niveau ce qui aurait pu être un banal divertissement.

Cependant on pourra reprocher à Wes Anderson, à force de ne traiter son propos que par l’humour et l’absurde, de ne pas toujours aller au fond des choses. L’émotion effleure trop rarement et ne doit ses quelques soubresauts qu’au talent de Jared Gilman. Le jeune acteur donne en effet une jolie dimension mélancolique à son personnage, mais qui n’est malheureusement pas relayée par la mise en scène. L’importance de l’absence des parents notamment, pourtant développée par le scénario, passe trop souvent au second plan à cause de la volonté d’artificialité de la réalisation. Seules quelques scènes échappent à la règle, notamment la très belle mais trop courte séquence de tête à tête entre l’enfant et Bruce Willis. Enfin, malgré des interprétations irréprochables, le choix d’un jeu le plus souvent très théâtral et pas toujours nuancé empêche un réel attachement aux personnages, la palme revenant à la petite amie du héros, sorte de version teenager de Lana Del Rey en mode shootée.

Moonrise Kingdom est donc un très bon divertissement, qui porte l’empreinte de son auteur et dont on ressort le sourire aux lèvres, mais aussi avec cette impression d’être passé à côté de quelque chose d’encore plus grand.